A finales de septiembre del 2015 comenzó el proceso del Concurso a la Composición Arquitectónica Aberto J. Pani en su Edición número 31. El concurso reunió a algunos de los mejores estudiantes de arquitectura de la República Mexicana quienes, después de una primera etapa corta, redujeron su participación a 5 finalistas dentro de los cuales se encontraría el galardonado de ese año. Después de la segunda etapa del concurso, el jurado deliberó que el ganador del premio sería Ricardo de la Torre Sandoval, estudiante de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí.
Para conocer el proyecto del ganador y de los finalistas, sigue leyendo después del salto.
La Segunda Etapa del concurso se llevó a cabo en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Autónoma de Sinaloa, universidad seleccionada entre todas las afiliadas a la ASINEA y que recibió a los jóvenes participantes durante las tres semanas de duración del concurso.
En la Primer Etapa se propusieron soluciones para un pabellón de exposiciones, mientras que el móvil de trabajo en la etapa larga fue el desarrollo de un espacio público y privado que permitiera albergar diferentes actividades en donde además de la conceptualización del o de los ejercicios que la integren al conjunto, se deberán manejar espacios abiertos y las relaciones entre las partes del conjunto y las visuales, tanto exteriores como interiores, que se generen con la propuesta arquitectónica del finalista.
La Segunda Etapa comenzó a finales de septiembre, y durante tres semanas los jóvenes prepararon su propuesta para montar una exposición con sus láminas el 15 de octubre, explicar sus proyectos en 10 minutos apoyados en una presentación digital, y esperar la deliberación del jurado el viernes 16 de octubre.
Les presentamos los trabajos expuestos por los 5 finalistas en la exhibición final:
Descripción de los arquitectos. El sitio se encuentra a lo largo de una calle residencial con edificios que principalmente datan de la decada de 1930, típico en las laderas de Stuttgart. La residencia hace referencia a la calidad práctica y la escala de las vecinas casas cúbicas de dos plantas, pero la fachada que da a la calle le debe los requisitos a la vida moderna, principalmente cerrada.
La planta superior, principalmente de hacitaciones secundarias y áreas que no requieren ventanas se disponen de este lado. Los voladizos y el retranqueo en conjunto al techo en voladizo y otras superficies que se extienden hacia el exterior generan una imagen diferenciada, profunda y poderosa para los transeúntes.
La alargada sección del edificio que se extiende por debajo de la casa da cabida a los garajes, así como a habitaciones secundarias, y permite vistas al jardín desde el espacio público. Todas las áreas de estar, por el contrario, se abren en dirección cuesta abajo, hacia el bosque en el lado sur.
Elevación Sur-poniente
La planta baja acomoda las habitaciones utilizadas de forma conjunta como la cocina, comedor y sala de estar. El nivel superior está reservado para los huéspedes y los padres. Haciendo uso de la pendiente transversal, tanto en la planta baja como en el nivel inferior del jardín, hay un acceso desde la planta baja hacia el jardín sur-oriente. El nivel del jardín ofrece espacio para las áreas de los niños, así como un sauna y sala de relajación.
El generoso techo con proyección hacia el suroriente, así como las continuas logias situadas delante en el nivel superior y planta baja, proporcionan protección contra el calor de verano, pero permiten el aprovechamiento solar pasivo cuando el sol está bajo en invierno. Toda la casa se calienta por medio de un sistema geotérmico, mientras que el calor solar se utiliza para la producción de agua caliente y la calefacción de la piscina. Instalaciones fotovoltaicas proporcionan la electricidad necesaria.
Las más recientes tecnologías y moderno abastecimiento energético fueron tan importantes para los clientes como la sencillez, intemporalidad y alta calidad de materiales duraderos y genuinos.
Descripción de los arquitectos. El departamento de Ciencia y Tecnología en Madera es una extensión de la Facultad de Biotecnología, y está unido a los edificios preexistentes a través de un corredor.
El edificio rectangular de 40mts por 13.5mts, se divide en dos partes gracias a un corredor central que separa las oficinas de los profesores orientadas al sur, y los laboratorios al norte. Un cinturón de cristal acompaña el corredor por la parte alta, siguiendo el arco que sugiere el techo y brindando iluminación al interior.
Siendo parte de una institución educativa orientada al campo de la madera, la edificación en si misma cumple con propósitos didácticos. Además de una base reforzada de concreto, la estructura (muros y cubierta) está compuesta por paneles de madera laminada (CLT por sus siglas en inglés) de una calidad que dota a los interiores de una apariencia especial y acogedora.
El corredor está formado por una estructura de CLT, vigas de madera en el techo y suelo de roble. A través del pasillo se encuentran las puertas de entrada a las oficinas de los profesores, todas hechas de 10 distintos tipos de enchapados (Olmo, pino, abeto, cerezo, roble, peral, fresno, castaño, nogal y maple) que van degradándose en color a obscuro durante el recorrido.
Las columnas inclinadas exteriores fueron hechas con madera de pícea termicamente modificada para brindar la sensación que ofrecen los bosques a través de las largas fachadas longitudinales norte y sur. El miso tipo de madera fue utilizado para el recubrimiento del volumen, las ventanas y las puertas exteriores. Comparada con madera sin modificar, este tipo de pícea cuenta con un tiempo de vida considerablemente más larga incluso a la intemperie.
El uso de materiales naturales basados en madera fue lo que deseábamos desde el principio para el proyecto. Por esta razón, tablas de celulosa y fibra de madera fueron utilizadas para aislar las ventilaciones del techo y las fachadas. La estructura está diseñada para soportar la construcción de dos pisos adicionales en caso de que una extensión vertical fuera necesaria.
Descripción de los arquitectos. El proyecto es una remodelación que ha cambiado por completo la distribución y el espacio interior de un departamento de 120 metros cuadrados construido en los años 60 en Varese. Las viejas paredes interiores y el largo pasillo se han demolido para dar lugar a tres grandes cajas dentro del departamento; los nuevos volúmenes, que contienen los dos baños, la cocina y el walk-in-closet, agrandan el espacio y definen las habitaciones, dejando libertad de movimiento a través del espacio y nuevas perspectivas.
De esta manera, todos los días es posible vivir la casa de una manera diferente, tomando ventaja de la ventilación y luz natural, tanto como sea posible.
El proyecto de iluminación, que usa luces LED, mejora el espacio y los diferentes materiales, que son de madera de roble, chapa de metal y fibra de yeso; no se utilizaron pegamentos, todo es de origen vegetal.
El diseño ecológico, la bio-arquitectura, la ergonomía y el confort son las claves del proyecto que refleja el enfoque sostenible de estudio LCA a la arquitectura.
Cuatro diseñadores holandeses -Chris Collaris, Ruben Esser, Sander Bakker y Patrick van der Gronde- han generado una propuesta de reutilización de un buque petrolero abandonado en la Región del Golfo Sur, titulada The Black Gold. Los diseñadores aseguran que este barco es el "icono perfecto" para representar la historia geográfica, económica y cultural de los estados petroleros árabes; un icono que -según ellos- quedará cada vez más obsoleto en manos de las nuevas infraestructuras de tuberías.
"Las perspectivas financieras sin precedentes de los estados árabes en la región del Golfo Sur ha generado una enorme cantidad de nuevos edificios con pretensiones icónicas. Múltiples nuevos rascacielos, aeropuertos, centros científicos y tecnológicos, escuelas de negocios y universidades, cadenas de hoteles, centros comerciales y museos se han construido. En contraste con esta gigantesca oleada de nuevos edificios, las pretensiones legítimas de expansión cultural de los estados árabes se están discutiendo con más fuerza". Como antídoto a "una sobredosis de edificios emblemáticos pretenciosos", su propuesta pretende "cambiar la función del buque petrolero de manera sostenible y funcional", asegurando que "el barco anclado se puede mantener como un verdadero nuevo-icono".
De los diseñadores. La clara estructura de los tanques de almacenamiento, al interior del volumen de la nave, entrega posibilidades para la adaptación de nuevos usos. Las paredes dobles de acero generan una fachada climática sostenible, entregando un clima interno conveniente para visitas y estancias cortas. La enorme superficie del buque tiene un potencial altamente flexible para albergar eventos a gran escala.
Una zona de transición entre las zonas urbanas y rurales, se convirtió en la ubicación central de un equipamiento de interés público que podría servir a los jóvenes sin posibilidad de dirigirse al centro de Manica. Esta zona, de 10 hectáreas fue reforestada por la asociación local de GDM (Asociación Recreativa y Deportiva de Manica) y se convirtió en un parque que alberga actividades de carácter social, deportivas y ecológicas.
El centro comunitario ofrece servicios a más de 3.000 jóvenes en actividades relacionadas con la prevención del VIH y la malaria, clases de idiomas y computación, actividades culturales y deportivas.
La construcción del parque incluye un espacio de producción de bloques de tierra comprimida con el fin de establecer una línea de producción en la región mediante la creación de puestos de trabajo locales y el uso de materiales locales con una huella ecológica baja.
El proyecto fue financiado por SFW / FIFA y apoyado por la ONG Arquitectura para la Humanidad.
Para la construcción del equipamiento para la gente de la comunidad Manica se utilizaron materiales locales como la tierra de las excavaciones para la construcción.
También se adoptaron técnicas artesanales de bambú. Esto mejora las tecnologías que forman parte de la tradición local de la construcción, adaptándolos a la comodidad y requisitos de durabilidad de nuestro tiempo.
Con la colaboración de la GDM fue posible la formación de más de 40 personas de la comunidad y su integración en las distintas fases del proyecto, desde el diseño, hasta la producción de bloques de tierra comprimida (BTC) para la construcción del edificio.
El edificio es parte del paisaje, inspirado en la arquitectura vernácula. Al igual que los edificios tradicionales que lo rodean tiene sus paredes rojas hechas de tierra, aprovechando sus propiedades para absorber la humedad y remitirlo al exterior, aumentando el confort interior y evitando el uso del aire acondicionado.
El centro comunitario sirve como la puerta de entrada al parque recién creado y como modelo de construcción para futuros edificios.
En el centro de un espacio exterior cubierto distribuye a los distintos espacios. Es el espacio de mayor altura y desde este punto central se puede ver el parque al norte y la entrada sur con la montaña Vumba de fondo.
Al oeste, el salón de usos múltiples se abre a la mayor área boscosa a través de persianas de hierro y bambú.
Al este, las oficinas centrales y las aulas están asociadas con el espacio exterior y su vegetación, los hace más privados e íntimos.
Planta
Desde ambas áreas, el oeste y el este, por razones de seguridad, se puede observar el patio central que circula y entra en el parque.
Corte Bioclimático
Las cubiertas se extienden al este y oeste para proteger de la luz del sol y controlar la iluminación en verano. En el centro de la cubierta abierta aumenta la circulación de aire y el efecto de succión.
Las paredes de color rojo tierra que se extienden desde el suelo mismo se unen a las persianas de bambú, utilizadas en las juntas de los edificios circundantes y los techos creados por artesanos locales, creando una mayor uniformidad visual y ayudando al aislamiento térmico del techo. También la iluminación se hizo en artesanía de bambú con elementos locales.
En el exterior al norte, una plataforma elevada de un metro, pilares de bloques de tierra y bambú con bancos crean un sombreado, prolongando el espacio central del edificio y dirigiendo al visitante hacia el parque y las montañas de los alrededores.
La moda y la arquitectura con frecuencia se cruzan, con ejemplos de estudios como OMA/AMO, diseñando pasarelas para Prada, y de arquitectos, como Zaha Hadid, diseñando trajes de baño y zapatos. Esta ocasión, hemos reunido a cuatro diseñadores que han creado líneas de joyería inspiradas en el mundo construido. Desde anillos diseñados con la traza urbana de ciudades icónicas hasta esculturas usables, echa un vistazo a estas colecciones después del salto.
A principios de este año, les introducimos estos anillos inspirados en el paisaje urbano creados por la fabricante de joyas con sede en Carolina del Norte, Ola Shekhtman. Algunas de las ciudades que ella ha creado en una variedad de metales, incluyen: Londres, Amsterdam, Nueva York, Boston y San Francisco. Echa un vistazo a sus otros diseños en su tienda Etsy, aquí.
vía Colossal
vía Colossal
vía Colossal
El arquitecto, basado en París, Diego Delgado-Elias ha diseñado estos anillos de plata que se inspiran en las herramientas que utilizan los arquitectos para diseñar edificios: una escuadra, un nivel y un escalimetro. Los anillos están hechos a mano en plata y son detallados utilizando una combinación de métodos de corte láser e impresión 3D. Encuentra sus diseños en su página web.
Cortesía de Diego Delgado-Elias
Cortesía de Diego Delgado-Elias
Cortesía de Diego Delgado-Elias
Yumi Endo de CUT studio, es una diseñadora que cree en la intersección del diseño y la tecnología. Los diseños de su estudio se inspiran en los detalles arquitectónicos que se encuentran, no sólo en la ciudad de Nueva York, donde se localiza su oficina, sino también en las ciudades donde ha vivido. Estos diseños se crean usando métodos de fabricación tradicionales y de vanguardia. Su tienda la puedes encontrar aquí.
Cortesía de Yumi Endo
Cortesía de Yumi Endo
Cortesía de Yumi Endo
Grace & Robot, fundada por Megan Gracia en 2015, combina el arte con la tecnología para crear estas esculturas usables. Inspirada por su amor por la tecnología, cada diseño ha sido esbozada, modelada digitalmente, e impresa en 3D. Estas formas geométricas de colores están a la venta aquí.
Cortesía de Grace & Robot
Cortesía de Grace & Robot
Cortesía de Grace & Robot
Descripción de los arquitectos. CHORIZOS, JAMONES, PAJA, VACAS Y VINO
Las bodegas antiguas de la Ribeira Sacra eran (y son) espacios heterogéneos vinculados a la vivienda donde se desarrollan las actividades de la economía local, por lo que es habitual encontrarse con conjuntos de varias construcciones de piedra donde conviven todo tipo de usos: se conservan los embutidos de matanza, el orégano, el vino de la vendimia y el aguardiente. Se guarda la paja y se dispone el ganado de pasto.
Las bodegas antiguas de la Ribeira Sacra eran (y son) espacios heterogéneos vinculados a la vivienda donde se desarrollan las actividades de la economía local, por lo que es habitual encontrarse con conjuntos de varias construcciones de piedra donde conviven todo tipo de usos: se conservan los embutidos de matanza, el orégano, el vino de la vendimia y el aguardiente. Se guarda la paja y se dispone el ganado de pasto.
Planta
Sección
- Respetar el volumen inicial y la arquitectura local. El pueblo es armónico: construcciones de piedra y el verde existente (de pasto y salvaje) están en equilibrio. La propuesta se integra en este contexto acomodándose a los límites de los muros existentes. También se integran los valores de la arquitectura local (volúmenes de piedra seca tectónicos, de pocas perforaciones) sin renunciar a su propio lenguaje.
- Los materiales locales. La materialidad se basa en la creación de una carcasa de piedra existente (para la cubierta se recupera pizarra de una antigua casa) y la madera. El resto consiste en construcción tradicional para trabajar de acuerdo al conocimiento del constructor local.
- La luz, la ventilación y las vistas. Teniendo en cuenta las anteriores premisas y dadas las difíciles condiciones de la preexistencia había que garantizar unas condiciones de aire y luz para dotar a la vivienda del confort necesario, pero sobre todo había que conseguir que la casa disfruta del paisaje.
Así es como la ha bautizado la gente del pueblo. El alias explica muy bien la estrategia de vaciados que se ha planteado para contrarrestar la situación inicial del volumen principal, semienterrado y con una crujía de gran anchura. Mediante la perforación de las esquinas se crean patios que establecen relaciones diagonales que garantizan iluminación interior, ventilación cruzada y visuales alargadas. Asimismo esta estrategia define los huecos en fachada como vaciados, y no como ventanas convencionales, dando una apariencia de casa tectónica, sin ventanas, pero estableciendo una relación continua del interior con el paisaje exterior, que penetra.
Descripción de los arquitectos. Ubicado en Asunción, el proyecto consiste en un edificio de departamento de tres pisos. La planta baja está dedicada al acceso y al estacionamiento.
Los siguientes tres niveles son plantas tipo, cada una compuesta por dos lofts, una unidad de dos dormitorios, y una de tres. El último piso está destinado a una terraza para esparcimiento y un área de parrilla.
Planta Tipo
Corte Longitudinal
El edificio se conforma de dos volúmenes. Un volumen transversal que contiene los departamentos, y uno longitudinal con retiros para permitir las visuales al volumen transversal, hacia a una plaza ubicada al frente del terreno.
La estructura del edificio en su totalidad está conformada por losas hongo postensadas de 20 cm de espesor, lo cual facilita la construcción de la albañilería y las carpinterías.
Hasta la fecha, se han creado más de 6 millones de etapas para el videojuego Super Mario Maker, donde los usuarios pueden crear sus propios niveles de juego con todas las herramientas disponibles del universo creativo de Mario. El fontanero que ha entretenido con sus aventuras a millones de jugadores alrededor del mundo, cumplió 30 años en septiembre pasado desde el lanzamiento de su primera odisea en solitario en Super Mario Bros. Y como saben, el resto es historia.
Hace unos meses, con motivo del estreno de Super Mario Maker en la última E3, Shigeru Miyamoto y Takashi Tezuka -creadores de Super Mario Bros- explicaron con qué diseñaron en 1985 las etapas del clásico videojuego de Nintendo: hojas cuadriculadas.
Sí, con hojas cuadriculadas y papel mantequilla (cebolla) los artistas japoneses dibujaron detalladamente cada escenario, añadiendo y editando la posición de los enemigos, las trampas e incluso el diseño de la portada del videojuego.
"En nuestros tiempos, tuvimos que crear todo a mano", explica Miyamoto en el video exhibido por Nintendo en la pasada E3. "Para crear las etapas tuvimos que dibujarlas una por una en estas hojas de papel cuadriculado. Luego pasamos nuestros dibujos a los programadores, quienes los codificaron" para crear las construcciones. ¿Y si había que editar las etapas? "Se volvía muy confuso si intentábamos editar el dibujo original. Así que encima pusimos estos papeles mantequilla (cebolla) para hacerlo", agrega Tezuka, también escritor y guionista de The Leyend of Zelda(1986).
vía Nintendo [Youtube]
"En la mayoría de las veces empecé dibujando una etapa que yo quería jugar", agrega Miyamoto sobre la dificultad del videojuego, "lo cual usualmente equivale a la primera etapa del segundo mundo (2-1) o la segunda etapa del segundo mundo (2-2). Cuando está listo, intentamos hacerlo un poco más fácil, así que lo adelantamos a la primera etapa del primer mundo (1-1)".
vía Nintendo [Youtube]
Y esa capacidad de desarrollar detalladamente cada etapa del videojuego con papel y lápiz es lo que permitió el éxito de Super Mario, como explicó Miyamoto en una entrevista a la NPR al respecto: "las acciones en el videojuego son algo innato a los humanos en todas partes. Todo el mundo tiene miedo de caer desde una gran altura. Si hay un vacío, tienes que cruzar. Todo el mundo intentará correr para saltar el vacío. Ésas son las cosas que son genuinamente humanas, son una experiencia compartida por todo el mundo."
Descripción de los arquitectos. El terreno está ubicado en Kitashirakawa, Kioto adyacente a un arroyo, las montañas Higashiyama con su 'Daimonji' de 'Gozán-no-Okuribi' (un evento de verano en Kyoto) y tiene vistas lejanas a las montañas Hieizan. El sitio mira hacia espacios abiertos, tanto al otro lado de la calle, donde la universidad local tiene un jardín botánico, y por el costado a un parque infantil. Juntos, los dos espacios abiertos convierten el lugar en un bloque de esquina.
¿Cómo puede la arquitectura responder a tal emplazamiento?; Como respuesta, comprendí el techo como un elemento contextual importante dentro de la zona para desarrollarlo como un concepto. En esta tranquila zona residencial, hay calles estrechas con una mezcla de casas antiguas y nuevas, en las que sus apariencias y las formas de sus techos son diversas. Como una aproximación al contexto, he seleccionado un techo adecuado tanto para el programa y el sitio e hice un estudio al respecto. Como resultado, decidí elegir un sencillo techo inclinado con una cresta en una línea diagonal. La forma de la cubierta fue finalmente deliberada y discutida en un panel de revisión de diseño ya que la forma no tiene precedentes dentro de los estrictos lineamientos de arquitectura de Kioto. La forma de la cubierta fue finalmente aprobada, ya que demostró que a pesar de la escala de la casa, se considera el contexto urbano y se ajusta a las regulaciones sofocantes de la ciudad.
La casa es para una familia de cuatro personas. Los principales sectores están abiertos para formar un único espacio y actúan como el centro del segundo piso, donde la familia pasa la mayor parte de su tiempo. El espacio está conectado al tercer piso y a un loft por un vacío, cubierto por un gran techo que sobresale de una terraza. Es posible vivir en este espacio central, mientras se sienten todos los signos de la vida familiar con los puntos ciegos realizados por las losas de piso con diferentes niveles, cocina y escaleras. Este marco sencillo, que permite al espacio destacar, se planificó en conjunto a detalles que proporcionan minuciosamente a la casa con consistencia y coherencia al diseño.
Una "banda" unida por cuatro lados en el segundo piso se utiliza como un armario y un ventanal que crea un espacio para la siembra, exposición de objetos, así como un banco y una punta. Esta banda reinterpreta la tradicional 'En' (tipo veranda), 'Shoin' (tipo estudio) y 'Toko' (tipo alcoba) 'Deguchi' (tipo ventana mirador) y transforma una configuración residencial abundante en espacio expansivo, que actúa tanto física como psicológicamente. La profundidad de la "banda" aumenta el límite de la pared haciendo que la división entre dentro y fuera sea ambigua.
Los ojos recorren a través de la siembra en una terraza y las flores de un cerezo en el patio infantil, el jardín botánico de la universidad y montañas lejanas, y no sólo el paisaje prestado desde una ventana abierta. En esta casa la familia está viviendo mientras siente el movimiento del cuerpo, una visión difusa y los enlaces experimentales que tienen los actos diarios sobre la inconsciencia. Satoru Umehara / UME architects
Colaboradores: Silvia Cuitún Coronado, Pedro Manuel Quintal Ruz, Andrea Matilde Marrufo Ruiz
“El Lujo está en el espacio” R. Legorreta.
Si de hacer arquitectura se trata, en los últimos años al parecer la tendencia es a utilizar materiales sintéticos, innovadores y al mismo tiempo más costosos.
Nuestra preocupación en el proyecto de la Casa desnuda fue exactamente lo opuesto, utilizar materiales naturales, comunes y fáciles de conseguir en la ciudad dejándolos al desnudo y apreciar su belleza intrínseca.
Planta Baja
El reto se inicia con las dimensiones del terreno, un residuo urbano resultado de subdividir una casa familiar, el terreno de 6.5 x 27.5 con fachada Poniente no resultaba el más alentador para las necesidades de la vivienda.
La solución resolvió los problemas de asoleamiento al poniente y la dificultad de ventilación cruzada en todos los espacios creando una barrera con los servicios hacia el poniente y separando la vivienda del límite Norte dejando únicamente 80cms que permiten crear una “Chimenea de Aire” la cual funciona exitosamente.
Los elementos de acondicionamiento pasivo se vuelven parte integral del diseño, la piscina que refresca el aire antes de recorrer al interior de la casa, el muro de cristal al oriente que permite abrir o cerrar el espacio y controlar el flujo y volumen de aire, las puertas corredizas de cristal hacia la chimenea de aire que crean entrada de luz natural del norte y mayor ventilación, el muro vegetal al poniente que refuerza la barrera térmica , los maceteros de Permacultura que al mantenerse siempre con agua evitan el sobrecalentamiento del área de acceso y los patios intermedios como la transición del acceso al área habitable y el patio interior de la recamara.
La paleta de materiales esta mayormente determinada por los elementos constructivos y estructurales dejando expuestos los mismos en su mayoría, el muro de block tan común en la zona se transforma al evitar el traslape y se deja aparente convirtiéndose en el “modulo” de todo el diseño.
Tras el paso de la exposición Encounters en Santiago (Chile), conversamos con el arquitecto español Luis Vidal, fundador de Luis Vidal + architects, autor del terminal 2 del aeropuerto de Heathrow (Reino Unido) y partícipe del diseño del inédito Spaceport, un puerto espacial en Front Range (Colorado, Estados Unidos).
"Para estudia arquitectura uno tiene que estar realmente preparado y tiene que haber estado expuesto al mayor número de oportunidades, de circunstancias que trae la vida", reflexiona Vidal.
Encounters es una exposición que realizó su séptima parada en la capital chilena, luego de pasar por Japón, Estados Unidos y República Dominicana. Tras el décimo aniversario de Luis Vidal + architects, la exposición con casos de realidad aumentada presenta 81 proyectos desarrollados en 18 países de todo el mundo. "Trata de unir una experiencia sensorial y una experiencia poética", explica el arquitecto, "con la manera de trasladar lo que es el arte de la arquitectura y el diseño, alrededor de 6000 tarjetas redondas flotando en un jardín vertical".
Editor Audiovisual: Manuel Albornoz Entrevista y storyline: Nicolás Valencia
Descripción de los arquitectos. El proyecto "Barcode" es parte del desarrollo de uso mixto de Bjørvika, una zona portuaria que intersecta con la carretera que lleva al centro de Oslo. Los arquitectos de Dark se asociaron con MVRDV y A-Lab, y juntos ganaron el concurso internacional para desarrollar su diseño.
La entrada ganadora propone una cadena de formas estrechas, inspiradas en un código de barras. El edificio propuesto se divide en tres partes y cada equipo diseñó una parte diferente.
Corte
Dark Arkitekter estuvo a cargo del "West-Building", con una capacidad para 600 personas. Un pasaje subterráneo que contiene salas de reuniones, cafetería, y otras funciones comunes se despliega de forma continua bajo los tres edificios.
El edificio de oficinas de 15 pisos se asemeja a una escalera gigante, en la que cada huella funciona como una terraza y cada contrahuella es una sala común de dos pisos de altura. Sus techos verdes retienen el agua y al mismo tiempo proporcionar espacios de descanso para los empleados, mirando hacia el este y el sur.
Un ascensor inclinado de acceso público termina en un restaurante ubicado en la terraza superior. Junto a este ascensor, una escalera interior conecta los diferentes pisos, donde se encuentran las oficinas de DNB.
Tiendas y otros servicios comerciales pueblan el nivel de la calle, que cuenta con un traspaso abierto que permite acceder a todos los edificios en el complejo.
La inspiración natural de las formas de las edificaciones ha sido un tema recurrente en la historia de la arquitectura reciente. Conjunto Habitat 67, edificio habitacional experimental diseñado por Moshe Safdie, con motivo de la expo 1967 en Montreal, Canadá. Image vía Flickr CC / Usuario Richard Lehoux
* Traducido del inglés por Arq. Francisco Contreras Chávez.
“El aspecto más esquivo de este tema tiene que ver, antes que nada, con cómo percibimos y conectamos con la forma, lo cual se relaciona más con nuestra propia estructura interna como seres humanos que con estructuras biológicas más generales”
La idea de una conexión biológica con la arquitectura ha sido utilizada consecutivamente por: arquitectos tradicionales, modernistas, postmodernistas, deconstructivistas, y por supuesto los arquitectos que dicen crear “formas orgánicas”. Uno podría decir que la conexión propuesta entre la arquitectura y la biología es utilizada para apoyar cualquier estilo arquitectónico. Cuando esto es aplicado de forma tan general, la conexión biológica pierde su valor, o por lo menos se vuelve tan confusa que no tiene ningún significado. ¿Habrá alguna forma de aclarar esta contradicción y confusión resultante?
Hasta ahora, los arquitectos y los científicos interesados en la arquitectura se han enfocado en la imitación formal a la naturaleza. A veces de forma explícita, por lo general implícitamente, las formas naturales, incluyendo las formas biológicas, han inspirado las construcciones realizadas por los seres humanos. Sin embargo, yo creo que un entendimiento de las raíces biológicas de la arquitectura y el urbanismo requiere otro componente que es independiente de la imitación estructural. El aspecto más esquivo de este tema tiene que ver, antes que nada, con cómo percibimos y conectamos con la forma.
Como tal, tiene más que ver con nuestra propia estructura interna como seres humanos que con estructuras biológicas más generales. Las respuestas habrán de ser encontradas en procesos cognitivos, la percepción y la neurofisiología.
Para comenzar una búsqueda de como la biología influencia a la arquitectura y el urbanismo, debemos establecer un mapa general del problema. Ya que este es un tema muy amplio, Es útil el dividirlo en una serie de preguntas tales como las siguientes. Esto no pretende ser un compendio completo de preguntas, sino solo un punto de partida para la investigación.
¿Por qué algunas formas construidas asemejan formas naturales?
¿Qué tipos de formas construidas responden de forma más cercana a prototipos biológicos?
¿Están los seres humanos predispuestos a disfrutar y sentirse cómodos con ciertos tipos de formas?
¿Están los seres humanos, de la misma forma, predispuestos a construir ciertos tipos de formas?
¿Vale la pena el imitar a las formas biológicas en nuestras construcciones?
¿Obtenemos más que solo goce estético – como por ejemplo beneficios físicos y fisiológicos- de un ambiente que captura la esencia de la estructura biológica?
¿Puede hacernos daño el vivir en un ambiente que contradiga las formas biológicas?
¿Entendemos realmente las estructuras biológicas de una forma que nos permita imitar más que su apariencia superficial?
Estas preguntas pueden proveer a investigadores del punto de partida para resolver problemas de larga data en cuanto a cómo la humanidad se relaciona con su ambiente natural y construido. Me gustaría centrarme aquí, por un lado en la conexión entre la arquitectura y el urbanismo, y por otro lado en las estructuras heredadas en el cerebro humano que influencian las funciones de la mente. Un grupo de innovadores arquitectos y pensadores están comenzando a formular las bases para una nueva arquitectura que nace de las necesidades humanas, y que está avalada por un entendimiento mejorado de la estructura biológica. Nuestra capacidad de aprendizaje nos hace humanos, ciertamente es responsable de como percibimos la estructura. La neurofisiología humana es, por lo tanto, esencial para responder al menos algunas de las preguntas anteriormente formuladas.
Punto Flotante es una instalación pública temporal sobre las posibles formas de lenguaje del tiempo en el espacio urbano. La instalación consiste de tres espejos controlados por computador, instalados en la azotea de un edificio en el centro de Santiago(Chile). Los espejos, invisibles desde la calle, reflejan la luz del sol hacia una fachada adjacente. Los puntos de luz se mueven coordinadamente dibujando un elipse a cada hora.
Este trabajo, es fruto de la residencia de Esteban Serrano en Eigengrau y fue presentado en la 12 Bienal de Artes Mediales durante octubre, 2015 en Santiago de Chile. El proyecto fue motivado por la idea de llevar un fenómeno fortuito, como los reflejos solares, a un ámbito de control con el fin de experimentar cómo se modifica nuestra experiencia del espacio y la ciudad. Las maquinas fueron fabricadas en Santiago específicamente para el proyecto.
Cortesía de Esteban Serrano
La instalación en sí consiste de tres espejos circulares controlados por un computador, colocados en la azotea de un edificio en Santiago de Chile. Al moverse, ellos reflejan la luz solar sobre una gran fachada ciega dibujando un patrón elíptico cada hora, desde que sale hasta que se pone el sol.
El software que controla los espejos fue desarrollado con tres programas interrelacionados entre sí. Primero Rhino, el cual contiene la geometría particular del lugar y permite situar en un contexto físico al simulador de Grasshopper. Luego el plug in de Grasshopper logra el control preciso sobre los espejos tomando las coordenadas cartesianas del entorno físico provenientes de Rhino y las coordenadas polares del sol en el espacio para calcular las instrucciones exactas que son enviadas a los motores de las máquinas cada segundo, usando la interfaz de Arduino. Logrando así que los puntos de luz proyectados por cada espejo converjan en un punto luego de su órbita, cada hora.
Todos los archivos mencionados están disponibles en el siguiente link.
Descripción de los arquitectos. El sitio está ubicado en una parte de la tranquila zona residencial en la ciudad de Atsugi, en la prefectura de Kanagawa. Diseñamos el edificio existente hace 42 años, y el edificio ha estado observando cuántos niños han crecido.
Sin embargo, ya que una variedad de necesidades educativas se han producido junto con la consideración de resistencia a terremotos y el cambio de época, se nos pidió que cambiáramos el jardín infantil a un nuevo tipo para la próxima generación que sea apropiado para los días actuales, y aceptamos diseñarlo nuevamente.
Ya que había un gran corredor de un ancho de 5 metros en el centro del edificio existente, se decidió diseñar disponiendo el edificio en estilo moderno y planificar el flujo mientras nos hacíamos cargo de la memoria del edificio existente en el nuevo diseño.
Planta primer nivel
Para mejorar el punto de poca visibilidad entre zonas, ya que el edificio de un solo piso se transforma en dos, hemos creado una serie de aperturas en el cielo.
Además, con el fin de reducir la iluminación y el uso de aire acondicionado durante el día, donde el ahorro de energía ha sido un tema en Japón desde el gran terremoto al este del país, hemos establecido una gran abertura en la zona común para generar a un costado una alta luz lateral donde suficiente sol golpea indirectamente y hace que el aire fluya.
Esto produjo un espacio lo suficientemente brillante sin necesidad de utilizar electricidad y pueden eliminar el calor mediante la apertura lateral. En Japón, donde es caluroso con alta humedad, sin el uso de aire acondicionado se convierte en un centro ecológico para la próxima generación.
En cuanto a los interiores, los diseñamos imaginando un "bosque". En el bosque, hay factores que impulsan una variedad de descubrimientos, posibilidades y los cinco sentidos. El espacio de comunicación en el centro imagina este tipo de "bosque".
Planta segundo nivel
Cada niño tiene una "sala cuna" a la cual vuelven. En el bosque, hay espacios pequeños y grandes, un pequeño escalón, un lugar en donde pueden dibujar, un espacio para escalar y una cabaña similar a una casa del árbol.
Hay una pequeña ventana en la cabaña, y produce una nueva relación con los niños que están jugando en el piso inferior. La pequeña casa debajo de las escaleras parece un agujero en un gran árbol, y un cojín suave se extiende por todo el lugar. Gracias a esto, los niños se recuestan y se apoyan en el árbol donde puedan relajarse y leer un libro.
En cuanto a la pared de escalada, hay una gran variedad de instalaciones con colores brillantes. Nos atrevimos a seleccionar el material que está cercano a la piedra en la naturaleza ya que queríamos crear una imagen que fuera similar a una zona rocosa original.
Durante los últimos años, donde la capacidad física y la creatividad de los niños ha disminuido, esperamos que puedan comenzar a mejorar sus habilidades mediante el establecimiento de una variedad de zonas de juegos interiores en diferentes sectores.
Descripción de los arquitectos. El museo está situado en la parte histórica de la ciudad, y está rodeado por la muralla medieval que envuelve el castillo y la ciudad de Avranches. El museo aumenta el valor de los restos medievales, los muros de defensa, y una antigua bodega. Por otra parte, se vuelven a conectar dos partes de la ciudad que se habían separado previamente. La nueva construcción respeta la costumbre medieval de la inserción de un edificio a lo largo de los muros de defensa, uno contra el otro, dejando un sendero peatonal a lo largo de la pared para los soldados. La bodega de una casa medieval que se conserva en el sitio ha sido restaurada e integrada en el proyecto. El acceso al Museo desde la plaza es posible gracias a la utilización de una torre y un puente que se extiende por encima de la primera muralla de defensa.
El diseño general del proyecto consiste en tres entidades distintas: la Plaza, los muros de defensa y el museo en sí. El museo se inscribe naturalmente dentro de un triángulo que está delimitado por la calle de Geôle y dos paredes antiguas recientemente redescubiertas. Esta composición integra la pendiente del lugar acompañado por un conjunto de rampas, que delinean la columna vertebral del proyecto. Los techos se adhieren a la concepción y la pendiente de las rampas, permitiendo que el museo tenga una integración óptima dentro de la escala urbana, y continuamente refleje el declive de la ciudad. Slate, como el material de construcción omnipresente de Avranches, se emplea en el diseño de los techos.
La arquitectura del museo se deriva de la inspiración de numerosos artefactos dentro de la Abadía de Mont-Saint-Michel. La desnudez de los muros, logrado a través de un tratamiento minimalista del hormigón, es una reminiscencia de la sobriedad extrema de la abadía. Aunque son ásperas, las paredes están hechas sin embargo de manera muy cuidadosa, no sólo en su superficie, sino también en su geometría. Sin embargo, su naturaleza cruda no se manifiesta sin hacer referencia a la textura aterciopelada del pergamino. Así, el material de hormigón está situado entre el aspecto noble de la piedra y la suavidad del pergamino.
La iluminación natural del museo se controla con asiduidad. En esencia, fluye desde el cielo, aludiendo así a la simbología religiosa y el espíritu de la Abadía de Mont-Saint-Michel. Desde la plaza, se invita al visitante a subir por las rampas suaves del museo. En sí mismo, la implicación psicológica de ascender a través de una serie de rampas para llegar a un destino en particular es evidente, pero a la vez, este acto se ve agravado por el hecho de que al visitante se le recuerda que está recreando el montaje de los pasos cuando visita el Mont-Saint-Michel. Esencialmente, uno se ve inmerso de nuevo a la idea de que debe haber experimentado en la Abadía. En combinación con la ascensión, viene la sensación de rotación. En la escalada de una rampa a otra, se encuentra la realización innegable que uno está rotando, de manera que en conjunto con este fenómeno de progresión hacia arriba también existe la sensación definida que uno está experimentando una trayectoria espiral.
Durante la trayectoria espiral hacia la entrada del museo, el visitante comienza a perder su sentido de la percepción espacial en relación con el mundo exterior. Entonces, desde el momento en que el visitante camina a través de las puertas del museo, su sentido de referencias espaciales son cada vez más puestas en cuestión. Tanto la fenestración al exterior, como las aberturas de un espacio interior a otro, están diseñadas de tal manera que se maximice el efecto de sorpresa, especialmente con respecto a la expectativa del visitante del último punto focal, "el tesoro". Si bien desde el inicio de la visita, el "tesoro" se puede percibir a través de ranuras delgadas, su vista sólo es posible en la cumbre, justo antes de entrar en la propia torre.
El diseño se organiza en torno al tema central, "el tesoro", donde se muestran las obras maestras de la colección de manuscritos originales, algunos del siglo 10. La llegada al destino del "tesoro" está marcada por una pausa, un momento de tomar una respiración profunda, un momento en el tiempo en sí mismo descansa. Los espacios en la procesión hacia el destino se bañan en la austeridad, templado por el ritmo de la ascensión y de visiones fugaces del "tesoro". Por último, al igual que con "el cuerpo", el "cuerpo del texto", "La Torre de los Libros" es finalmente revelada en su esencia. Rodeado del "tesoro", el espacio está coronado por un techo traslúcido de cristal tintado, regando las paredes exteriores del "tesoro" con matices de luz, de acuerdo con los colores de los manuscritos del mismo.
El arco se representa con frecuencia en numerosos manuscritos medievales de una manera que simboliza el cielo, en contraposición a las formas rectangulares que simbolizan la tierra. Durante la época de Robert de Torigini, abad del Mont-Saint-Michel, una frecuencia nota la presencia del arco, como coronación de los cielos, sobre la que están flotando un conjunto de cubiertas inclinadas. En la página 25 del cartulario de Torigni, la ilustración se divide horizontalmente, ilustrando dos órdenes superpuestos, como dos momentos de un discurso. Se establece la analogía con el proyecto propuesto: una bóveda cúpula, pisos superpuestos, y techos flotantes, se combinan en la perfecta integración del proyecto con respecto a los manuscritos del Mont-Saint-Michel.
La oficina UNK project ha ganado un concurso para diseñar el Pabellón de Energía Atómica en la Exhibición de Logros de la Economía Nacional (VDNH, por su sigla en ruso) en Moscú, un área que ha estado en desarrollo y crecimiento desde 2013. El pabellón apunta a compartir la "historia de la industria nuclear" y su "contribución en el desarrollo económico moderno", según ROSATOM, organizadores del concurso.
De las seis propuestas que llegaron a la etapa final, el diseño de UNK project fue el único que "decidió no perseguir la asociación literal con el átomo y la energía atómica en el hardware del pabellón, sino más bien disperso en su software", según los arquitectos.
Cortesía de UNK project
El diseño resuena con su contexto inmediato, con su voladizo haciéndose eco de la estructura de la cúpula del pabellón Kosmos y el espacio abierto de diseño tradicional entre ambos edificios.
Cortesía de UNK project
Cortesía de UNK project
Cortesía de UNK project
El pabellón de 75 x 75 metros ocupado todo su terreno y está dividido en tres secciones principales: un sótano, donde los principios científicos fundamentales del átomo serán explicados, un primer nivel donde se expondrán nuevas exposiciones científicas y educacionales en un espacio contemporáneo, y finalmente, un nivel superior que albergará las áreas de libre comunicación con el objetivo de estimular la interacción entre los visitantes.
Cortesía de UNK project
Cortesía de UNK project
"La principal característica del pabellón es la enorme cubierta en voladizo, que cubre toda la fachada vidriada. Su estructura se forma con un marco autosoportante, uniendo una serie de cerchas arqueadas, posicionadas perpendiculares entre sí".
Cortesía de UNK project
Se espera que el proyecto finalice en 2017. Conoce más sobre el pabellón aquí.
Descripción de los arquitectos. El concepto de OOZN para Bukit Pantai imagina tres ligeros pabellones residenciales de tres gradas que flotan sobre una verde colina de Kuala Lumpur. Los pabellones, revestidos en una fluida piel de aluminio, responen a la cambiante condición lumínica. Una pantalla perforada protege los interiores del intenso sol tropical, mientras que la geometría ondulante crea la impresión de movimiento.
Situada en la ladera de una colina verde en uno de los barrios mejor establecidos de KL, el concepto de OOZN para Bukit Pantai pretende destacar y actualizar la casa de 1960 en la ladera. La casa toma la forma de tres espacios de vida en tres pisos que caen en cascada por la ladera hacia el centro de KL. La predominante y acristalada fachada norte ofrece espectaculares vistas hacia la ciudad, mientras que el pabellón Norte está dominado por la calle. Originalmente concebida como una zona de oficinas, el cliente deseaba convertir el pabellón norte en la suite principal de la casa aumentando la necesidad de privacidad. Como coleccionista de arte y diseño contemporáneo, el propietario también deseaba que el altamente visible acceso al pabellón Norte actuase como una extensión de su colección de arte, mezclandose con la calle y los paisajes existentes. La casa se encuentra en una tranquila calle sin salida que comprende villas modernistas que datan de la década de 1960.
Detalle
El concepto de OOZN toma la idea de una suave cortina de dormitorio que envuelve el espacio interior y lo transpone al exterior del pabellón con una piel de aluminio que fluye. A continuación, la fluida piel se perfora para transmitir la luz al interior, mientras que el denso patrón de perforaciones sigue el diseño de las ventanas existentes. El diseño juega con la idea de un material metálico, más comunmente percibido como duro y frío, como una ligera tela que envuelve. El pabellón de acceso se encuentra 3,5 metros por encima de césped y una fila de árboles vistos desde la calle. La combinación de materiales, forma, reflectividad y el paisaje crean la impresión de que el pabellón está flotando sobre el paisaje. El diseño de iluminación exterior mejora aún más este efecto durante la noche. Los paneles se fabrican en un taller especializado de Guangzhou. La primera etapa del proceso, antes de utilizar una prensa mecánica para crear láminas de aluminio de 2,5 mm con la geometría, fue la fabricación artesanal de moldes de arcilla, basados en el modelo 3D del arquitecto. Los paneles prensados son entonces perforados y revestidos en polvo para luego ser enviados al sitio para su instalación.
Cortesía de Ricardo de la Torre Sandoval
Cortesía de Elba Benitez Armenta
Cortesía de Elba Benitez Armenta
Cortesía de Elba Benitez Armenta
Cortesía de Javier de Jesús Ramírez Rodriguez
Cortesía de Javier de Jesús Ramírez Rodriguez
Cortesía de Javier de Jesús Ramírez Rodriguez
Cortesía de Imad Akabani Siman
Cortesía de Imad Akabani Siman
Cortesía de Imad Akabani Siman
Cortesía de Alejandro Hernández Moreno
Cortesía de Alejandro Hernández Moreno
Cortesía de Alejandro Hernández Moreno
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Cortesía de Ricardo de la Torre Sandoval
Cortesía de Ricardo de la Torre Sandoval
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